Igel sucht Heim

Neues aus der Redaktion: Krisentagebuch 19 - Das Recht der jungen Generation auf Theater

Winnie Karnofka, Dramaturgin und ab der kommenden Spielzeit Intendantin des Theaters der Jungen Welt in Leipzig, über die besondere Situation der Kinder- und Jugendtheater in Coronazeiten

Zum Glück werden die Nächte gerade weniger, in denen ein wilder Mix aus Hygienekonzept, Kurzarbeit, Finanzierungssicherung, 1,50m-Abstands-Proben, Spielplan-Absagen-Änderungen etc. meine Träume bevölkert. Mein Unbewusstsein arbeitet offensichtlich vehement gegen meinen „bewussten“ Optimismus. Zum Glück bin ich mit diesen emotionalen Auf-und-Abs nicht allein. Irgendeinen im Team erwischt der Corona-Blues immer. Gleichzeitig haben wir untereinander intuitiv Mechanismen entwickelt, um uns da wieder herauszuholen. Und machen wir uns nichts vor, natürlich hilft das In-Aktion-Bleiben, die Arbeit, das Vorbereiten der neuen Spielzeit – wenn auch unter der Prämisse: Nichts ist sicher und selbst das ist nicht sicher. Vermutlich motiviert uns einfach auch der absolut notwendige Kampf um unser Publikum, um die junge Generation und ihr Recht auf Kultur. Das macht eine Vogel-Strauß-Politik einfach unmöglich.

Die Kinder- und Jugendtheater, die Akteure und Anbieter Kultureller Bildung, egal ob frei oder in kommunaler Hand, sind überwiegend schlecht bis empfindlich knapp finanziert. Das ist leider nichts Neues und man muss kein Finanzexperte sein, um sich auszurechnen, was das in Corona-Zeiten bedeutet. Zusätzlich tut sich im Kinder- und Jugendtheater das Dilemma auf, dass uns die erfolgte Erlaubnis zur Öffnung der Theater und Bespielung unter Hygiene-Maßgaben gerade herzlich wenig nützt, da sie auf das gleichzeitige Verbot von außerschulischen Aktivitäten und eine durchaus nachvollziehbare perspektivische Zurückhaltung seitens der Pädagog*innen trifft.

Föderalismusbedingt wird das natürlich gerade alles sehr unterschiedlich gehandhabt. In Sachsen ist die Situation zumindest noch wie gerade beschrieben und für das Theater der Jungen Welt Leipzig bedeutet das momentan, dass circa 55 Prozent der möglichen Vorstellungen allein deshalb wegfallen, weil Schulklassen und Kindergartengruppen nicht ins Theaterhaus kommen (dürfen). Aktuell stehen wir deshalb zum Beispiel in engen Kontakt mit Akteur*innen aus Kultus und Kultur, sowie mit Pädagog*innen in Schulen und Kindergärten – es geht darum, Stimmungen einzufangen, über die Zukunft von Schule und Theater in Corona-Zeiten zu sprechen, Möglichkeiten auszuloten, wie Kultur für Kinder wieder stattfinden kann, um Alternativen in der kulturellen Vermittlung zu besprechen usw., usw. Wir nutzen zudem die Vorteile und Chancen eines kleinen, flexiblen Hauses und stellen unseren Spielplan und unsere theaterpädagogischen Angebote auf mobil, digital und draußen um. Es gibt zum Glück durchaus mutige Kinder, Jugendliche, Familien, Lehrer*innen, Künstler*innen, die mit uns ausprobieren und neue Theater-Wege im Rahmen des Corona-Möglichen gehen. Wenn unser Publikum nicht zu uns kommt, kommen wir zu ihm. Müssen wir zu ihm.

Kinder und Jugendliche haben laut UN-Kinderrechtskonvention Artikel 31 ein Recht auf freie Teilnahme an kulturellem und künstlerischem Leben. Gerade haben sie aber gefühlt, nur das Recht darauf, Schülerinnen und Schüler zu sein. Hier einmal der Link zu einer Studie der Uni Hildesheim über die Situationen der jungen Generation in Corona-Zeiten. Ein Fazit daraus: „Die Jugendlichen sehen nicht, dass sie mit ihren Anliegen Gehör finden, die Beteiligungsformate von jungen Menschen scheinen nicht krisenfest“.

Bitter zu lesen und bitter zu wissen, dass sich das sehr oft mit dem deckt, was wir als Kinder- und Jugendtheatermacher in diesen Zeiten erfahren. Kunst und Kultur als wichtiges Sprachrohr, soziales Empowerment und oben beschriebenes gesellschaftliches Beteiligungsformat der jungen Generation scheinen vergessen. Unverständlich umso mehr, da sie zum Beispiel auch Unsicherheiten, Probleme und Folgen der Pandemie bei Kindern und Jugendlichen auffangen und gemeinschaftlich verarbeiten können.

Die aktuelle Grundsituation der Kinder- und Jugendtheater ist auf vielfältigen Wegen, von Interessenverbänden, von der ASSITEJ und auch dem Deutschen Bühnenverein in die Bundes- und Landesministerien, in die Kommunen direkt hineingespiegelt worden. Ich möchte nicht ungerecht sein – nachdem sich lange nichts bewegt hat, bewegt sich momentan endlich etwas. Aber ganz ehrlich: das ist zu langsam, zu wenig, zu wenig engagiert, wenn man bedenkt, um wen es hier geht.

Wir müssen zusammen, als Theater, Förderer und Träger kultureller Einrichtungen, schnellstmöglich dahin kommen, Theater für junges Publikum und kulturelle Bildung vom „Notfallpatienten“ zum „krisenfesten Partner“ für Kinder und Jugendliche zu machen! Das ist mitmenschlich und gesellschaftlich notwendig, das ist unser Generationen-Auftrag. Und wer ein noch etwas platteres Argument braucht: Gerade die Vorstellungen für Kinder, Schulen und Familien stellen unter Normalbetrieb für nicht wenige Stadttheater eine stabile Größe dar, wenn es um Zuschauerzahlen, Auslastung, ja am Ende durchaus um Finanzierungen geht. Vielleicht ist es gerade in Krisenzeiten nun einfach mehr als fair für und um unsere jungen Zuschauer*innen zu kämpfen und auch im „eingeschränkten Spielbetrieb“ uneingeschränktes Theater für sie zu machen! Theaterwinterschlaf bis alles vorüber ist, das darf es für dieses Publikum nicht geben. Wann hat eine junge Generation und wann hat Theater je auf die Zukunft gewartet? In diesem Sinne: Auf bessere Träume und bessere Realitäten!

Zwischenruf: Fast eine Hinrichtung – Zur Verurteilung von Kirill Serebrennikov

Wer hätte das gedacht? Nach der Aufhebung des zweijährigen Hausarrests Ende April 2019, nach entlastenden Gutachten und Beweisen, schien eine offizielle Rehabilitierung der angeklagten Theaterleute möglich. Doch dann folgte, nach der Rückkehr des Prozesses an ein Moskauer Bezirksgericht, der Donnerschlag des Staatsanwalts: Er forderte für den Leiter des Moskauer Gogol-Centers, Regisseur Kirill Serebrennikov und seinen Ex-Direktor Juri Itin sechs, für den Ex-Produzenten Malobrodski vier Jahre Lagerhaft. Sie hätten mit der Gründung der experimentellen Spielstätte PLATTFORM, die von 2011 – 2014 üppige Subventionen vom Kulturministerium erhielt und 340 Veranstaltungen damit produzierte, eine kriminelle Gruppierung gebildet zwecks Unterschlagung von Staatsgeldern zur persönlichen Bereicherung. Diese fatale Wende und Verdrehung der Tatsachen schreckte Kollegen und Freunde im In- und Ausland auf, die sich zu Tausenden an die neue Kulturministerin wandten. Eine Antwort blieb aus. Der ganze elende Prozess, der 2017 mit einer Klage (basiert auf Lügen der Buchhaltung von PLATTFORM) des Kulturministeriums begann, war kafkaesk, er roch nach sowjetischen Dissidentenprozessen der 1960-er Jahre, als der Dichter Josif Brodsky wegen Parasitentums, die Literaten Sinjawski und Daniel wegen antisowjetischer Agitation und Propaganda zu Lagerhaft verurteilt worden waren.

Die vielen Kulturschaffenden, die am Freitag dem 26. Juni vor dem Gericht ausharrten, setzten nach der Urteilsverkündung dem erwarteten Schrecken ein erleichtertes Lachen entgegen. Die Urteile fielen mit je drei Jahren Bewährung für Serebrennikow und Itin und zwei für Malobrodski samt strikten Auflagen, relativ milde aus, die Geldstrafen für alle sind jedoch horrend: 1,6 Millionen Euro. Die mitangeklagte Sophia Apfelbaum - einst eine Verantwortliche im Kulturministerium - wurde wegen Verjährung sogar freigesprochen.

Denkenden Menschen ist klar, dass die Drahtzieher dieses Schauprozesses nicht im Kulturministerium sitzen, sondern irgendwo darüber: Schatteneminenzen, die eine öffentliche Hinrichtung an der freidenkenden, international vernetzten jungen Theater- und Kunstszene inszenieren wollten, um sie in national-orthodoxe Schranken zu verweisen –  und um Gelder einzusparen. „Experimente auf eigene Kosten!“ hatte der vorige Kulturminister Medinski, dem Serebrennikov ein Dorn im Auge war, ständig verkündet. Mächtige Drahtzieher finden stets ihre dienstbereiten Handlanger. Der Warnschuss aber saß! Der Riß zwischen Staatsmacht und Künstlern klafft heute fast wieder so, wie in vergangen geglaubten Zeiten.

Kirill Serebrennikovs Verteidigungsrede war einerseits ein Meisterstück an Klarheit – er sprach stolz über seine künstlerische Arbeit, über seine Liebe zur Heimat, gab aber zu, dass er die Buchhaltung seinerzeit nicht gebührend kontrolliert hätte. Andererseits enthüllte die Rede sein inneres Statement: Sie war als Akrostichon gebaut mit der Aussage an die Drahtzieher: „ICH BEREUE NICHTS. IHR TUT MIR LEID.“

Ruth Wyneken ist freie Autorin und Dozentin für Dramaturgie. Sie ist Expertin für russisches Theater und hat in Russland gelebt und gelehrt.

Neues aus der Redaktion: Krisentagebuch 18 – Bericht aus Gütersloh

Von Lockdown zu Lockdown – ohne Anspruch auf Vollständigkeit: Das Krisentagebuch von Christian Schäfer, Künstlerischer Leiter des Theaters Gütersloh:

11.03.2020 Der Zufall will es, dass die letzte Vorstellung, die im Theater Gütersloh vor Lockdown Nummer eins gespielt wird, die Nick Cave/Franz Schubert-Séance „mercy seat-winterreise“ mit Charly Hübner und dem Ensemble Resonanz ist. Der Zusammenprall von unheilvoller Wirklichkeit und düsterem Bühnengeschehen ist in jedem Moment spürbar. Erstmals bleiben die Reihen im ausverkauften Saal signifikant leer. Der Applaus ist kräftig, aber alle – im Saal wie auf der Bühne – sind latent bedrückt. Im Anschluss beschließen Bürgermeister Henning Schulz, Kulturdezernent Andreas Kimpel und ich noch im Foyer, dass es auch ohne gültige Verordnung vom Land die letzte Vorstellung  gewesen sein soll. Das Warten auf neue Verordnungen und die Ungewissheit werden ab jetzt zu ständigen Begleitern unserer Arbeit.

12.03.2020 Unsere Koproduktion mit dem Theater Münster, „Deutsche Ärzte grenzenlos“ von Tuğsal Moğul, wird durch die Münsteraner Kolleg*innen wenige Stunden vor der Premiere abgesagt und auf Anfang 2021 verschoben. Die kritischen Betrachtungen über das Gesundheitssystem in Zeiten vor Corona müssen dann womöglich noch um ein Kapitel zur aktuellen Lage ergänzt werden.

13.03.2020  Die Jubiläums-Tanzgala „10 Jahre Theater Gütersloh“ mit unseren „Tanzland“-Partner*innen vom Ballett Dortmund wird vom Geburtstag weg auf unbestimmte Zeit verschoben.
Zum Geburtstag veröffentlichen wir stattdessen nur einen Trailer, der zehn Jahre stimmungsvoll in 98 Sekunden abzubilden versucht.

17.03.2020 Mit dem Autor Joachim Zelter brainstorme ich über ein Stück zur Situation, bei dem sich die Protagonist*innen zu Hause selbst filmen und das man auf digitalem Wege veröffentlichen könnte. Ich kontaktiere die Gütersloher Videomacher Marwin Gansauge und Kai Uwe Oesterhelweg, mit denen ich schon mehrfach für Theaterproduktionen zusammengearbeitet hatte.

19.03.2020 Joachim schickt eine erste Fassung von „Corona zu zweit“. In der Folge nimmt die erste Online-Uraufführung in der Krisenzeit sehr schnell Formen an. Beteiligt werden vorwiegend freischaffende Künstler*innen, wie das bei unseren Eigenproduktionen üblich ist.

22.03.2020 Engagement von Fabian Baumgarten für „Corona zu zweit“, der sich nach einer Tour mit der Familie Flöz durch Frankreich und einen kurz darauf zum Risikogebiet erklärten Kanton in der Schweiz in freiwilliger Quarantäne in einem Ferienhaus der Familie im Harz ohne WLAN befindet.

25.03.2020 Da bei Fabian und seiner Frau leichte Covid-Symptome auftreten, sie aber keinen Test bekommen, beschließen wir, auf Technik-Materialübergaben zum Drehen zu verzichten. Lediglich Datenpakete fürs Handy werden zur Übertragung nach Ostwestfalen online erworben. Das Arbeiten an einer solchen Produktion im Wirrwarr zwischen Kinderbetreuung und Kameraführung, mit Regieanweisungen per Telefon und SMS, stellt eine gewöhnungsbedürftige, aber spannende Herausforderung dar.

31.03.2020 Statt auf einer Pressekonferenz veröffentlichen wir das Programm der Jubiläumsspielzeit 2020/2021, „10 Jahre Theater Gütersloh“, online per Video.

03.04.2020 Die Gütersloh-Premiere unserer Koproduktion mit dem Theaterhaus Stuttgart, „Me and Mr Cash“, wird auf unbestimmte Zeit verschoben.

09.04.2020 Premiere von „Corona zu zweit“ auf YouTube. Es spielen Christine Diensberg und Fabian Baumgarten. Am Ende des Films singt Svavar Knútur gemeinsam mit Miriam Berger – die bei allen Online-Produktionen für die Musik verantwortlich sein wird – und einem Stay@home-Chor aus Gästen bisheriger Eigenproduktionen Svavars „While the world burns“. Die Zuschauer*innen werden gebeten, für den Förderverein des Theaters zu spenden, der regelmäßig die Eigenproduktionen mitfinanziert und uns dabei hilft, freischaffende Künstler*innen zu engagieren.

17.04.2020 Start der zweiten YouTube-Produktion „Konferenz der Kuscheltiere“, für die uns zehn freischaffende Figurentheaterspieler*innen, Schauspieler*innen und Musiker*innen selbstgedrehte Berichte von fabulösen Wesen aus den „gaaanz langen Ferien“ zusenden sollen. Die Zeiten werden schwieriger: Es bedarf eines schriftlichen Vermerks, den der Kulturdezernent bei der Verwaltung einreichen muss, damit wir ein Budget bewilligt bekommen. Das Kultursekretariat NRW, gefördert vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft, unterstützt die Produktion kurzfristig.

26.04.2020 Online-Premiere „Konferenz der Kuscheltiere“ für kleine und große Menschen ab 6 Jahren. Mit dabei: Das Helmi, Figurentheater Marie Bretschneider, Figurentheater Tübingen, Nikolaus Habjan, Florian Hacke, Krokodil Theater, Lucie Mackert, Theater Zitadelle, Jochen Vahle (Randale), Nicole Weißbrodt und Wolfgang Müller. Erstmals haben wir die Möglichkeit des freiwilligen Kaufes von virtuellen Tickets installiert.

05.05.2020 Anruf von Fabian Baumgarten. Ein Antikörper-Test hat ergeben, dass er infiziert war, als wir „Corona zu zweit“ gedreht haben. Die Gefahr ist nah.

14.05.2020 Für die Stadt Gütersloh gibt es inzwischen eine Haushaltsverfügung aufgrund massiv einbrechender Gewerbesteuereinnahmen. Für die Stadt Gütersloh mit ihrer starken Wirtschaft ist dieser Einbruch besonders dramatisch. Die überregionalen Medien sprechen von einem „Fall Gütersloh“. Das Budget für eine dritte Online-Uraufführung (aus dem bestehenden Etat des Theaters) wird erst nach einigen Gesprächen zwischen Bürgermeister, Kämmerin und Kulturdezernent genehmigt.

23.05.2020 Eigentlich wäre heute und morgen „Endstation Sehnsucht“ vom BE in der Regie von Michael Thalheimer zu Gast.

27.05.2020 Start der Produktion „Das Theater träumt“. Wir stürzen uns diesmal in einen „richtigen Film“, der innerhalb einer Nacht im Theater spielt, wofür 15 Beteiligte und das ganze Theaterteam sich acht Tage und vor allem Nächte um die Ohren schlagen werden. Für jedes Stockwerk gebe ich eine Szene in Auftrag. Die Autor*innen sind: Nora Gomringer, Tilman Rammstedt, Moritz Rinke, Lisa Sommerfeldt, Miroslava Svolikova, Theresia Walser und Joachim Zelter.

29.05.2020 Eigentlich wäre heute und morgen die Produktion „Häuptling Abendwind“ vom Deutschen Schauspielhaus Hamburg in der Regie von Christoph Marthaler zu Gast.

01.06.2020 (Pfingstmontag) Anruf von Hauptdarsteller Mario Neumann, der sich krank fühlt. Die Alarmglocken klingeln. Corona? Waren wir immer weit genug voneinander entfernt? Hätten wir das Projekt niemals starten dürfen? Ist die Kunstproduktion in diesen Zeiten einfach vollends unmöglich? Kurze Zeit später gibt das Städtische Krankenhaus Entwarnung – Mario hat sich nur den Magen verdorben. Wir machen weiter.

08.06.2020 Der Spielclub des Theaters wurde mitten in den Proben von Kristofer Blindheim Grønskags Stück „Runter auf Null“ vom Virus ausgebremst. Die findigen Leiterinnen Ilka Zänger und Christine Ruis lassen sich nur kurz beirren und veröffentlichen das Stück ab heute mit Genehmigung von Autor und Verlag als Instagram-Serie #runteraufnull. Grønskag wird zum begeisterten Follower. Die Jugendlichen sind happy – Corona zum Trotz!

17.06.2020 Die Zahl der positiv getesteten Mitarbeiter*innen am Schlachtbetrieb Tönnies im benachbarten Rheda-Wiedenbrück nimmt ein bedrohliches Ausmaß an. Der Kreis Gütersloh, der zuletzt nur noch mit sehr geringen Infektionszahlen zu tun hatte, steht in der Folge unter Schock.

19.06.2020 Premiere „Das Theater träumt“ auf YouTube. Ich bin sehr froh über das Ergebnis. In diesen widrigen und (fast) theaterlosen Zeiten lassen wir unser Theater zum zehnten Geburtstag doch ein wenig hochleben. Das großartige Erleben des flüchtigen Theatermoments kann ein Film natürlich nicht ersetzen, dafür haben wir jetzt digital verewigt, wie es uns Theatermacher*innen im Juni 2020 zumute war.

22.06.2020 #nightoflight. Unser Technik-Team taucht das Theater in rotes Licht. Es sieht berauschend aus. Schade, dass der Hintergrund dramatisch ist. „Fleischfarben“ kommentiert eine Freundin auf Instagram. Gütersloh ist jetzt Tönnies, das dem Kreis in kürzester Zeit zu weltweiter Berühmtheit verholfen hat. Wir sind jetzt Hotspot, wodurch weder das Leben noch das Theatermachen leichter wird.

23.06.2020 7000 ohnehin bemitleidenswerte Menschen (ein Teil von ihnen hat Gütersloh zur Großstadt gemacht) sind in Quarantäne. Fast 1500 Mitarbeiter*innen infiziert. Lockdown (light) – wegen Tönnies. Vorschläge, den Schlachtgigant als Sponsor unseres Theaters anzufragen, habe ich immer vehement abgelehnt. 2016 gab es in unserer Koproduktion mit den Ruhrfestspielen „Der letzte Cowboy (Solitary Man)“ eine Episode, die deutlich auf das Unternehmen anspielte. Der (Möchtegern-)Aktivist „Joachim Ostenkötter“ lässt hier, gemeinsam mit seiner rumänischen Kollegin „Harild“, das lachende zu einem betrübten Schweine-Logo werden und beschmiert es mit Blut und der Aufschrift „Hier lacht kein Schwein“. Er berichtet zudem vom Leiden der Tiere, sie vom Leiden der Menschen. Das Positivste, was das Corona-Desaster hervorbringen könnte, ist, dass nun tatsächlich in Politik und Bevölkerung die Akzeptanz von Mega-Fleischkonzernen dauerhaft schwindet und sie so zu einem Umdenken gezwungen werden. Wahrscheinlicher ist jedoch, dass vermehrt im Ausland produziert wird, weit weg von den empörten Deutschen. In absehbarer Zeit könnte allerdings In-Vitro-Fleisch dem Spuk ein Ende bereiten (und dafür andere Sorgen hervorrufen).

26.06.2020 Gemeinsam mit befreundeten Künstler*innen prüfen wir die Möglichkeit, kleine kulturelle Darbietungen für die in Quarantäne befindlichen Menschen vor deren Unterkünften anzubieten.

27.06.2020 „Lockdown mal wieder“ lässt Lisa Sommerfeldt die verschwörungstheoretische Bardame in „Das Theater träumt“ sagen. Auf die Erfüllung dieser Prophezeiung hätten wir gerne verzichtet. „Lebt und spielt“, sagt Miroslava Svolikovas blinder Imker am Schluss des Films. Dies haben wir vor. Live, versteht sich. Glück auf! 

Nachruf: Der Unbehauste

In seiner letzten großen Bühnenrolle, Brechts „Galileo Galilei“ 2017 am Berliner Ensemble in Frank Castorfs Bearbeitung und Inszenierung, fand sich wie unter einem Brennglas noch einmal alles, was den Schauspieler Jürgen Holtz so besonders machte. So viele seiner Figuren hatten mit dem Kampf gegen die eigene Verbitterung zu tun, mit großer Einsamkeit, einem Furor gegen jeden kleinsten, gemeinsamen Gemeinschaftsnenner und mit der heimlichen Sehnsucht, doch dazuzugehören. Immer war da ein Aufbegehren gegen jede Art von Fremdbestimmung – und eine kleine Hybris, die Wunschvorstellung, mit sich selber im Reinen, bei sich selbst zuhause und damit allen anderen überlegen zu sein. Und bei alledem war sich der Schauspieler Jürgen Holtz immer klar, dass er auf einer Bühne stand, blieb immer klar, künstlich, kunstvoll, parodierte hier und da, imitierte nie. War nie glatt „realistisch“.

Jürgen Holtz war, nimmt man seine Biographie, wahrhaftig ein deutsch-deutscher Schauspieler. Und blieb doch letztlich immer ein Unbehauster, auch in der wiedervereinigten Theaterlandschaft, auch wenn sein Geburtsort Berlin sicherlich Heimat für ihn war.  Dort besuchte der 1932 Geborene das Humboldt-Gymnasium, ging zur Ausbildung nach Weimar und Leipzig, kehrte – nach ersten Engagements in Erfurt, Brandenburg und Greifswald – als Schauspieler zurück und wurde, mit der Titelrolle in Peter Hacks‘ „Moritz Tassow“, 1966 von Benno Besson an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz inszeniert, erstmals Teil eines Theaterskandals. Das eigentlich optimistische, parabelhafte Stück über Utopie, Pragmatismus und Flexibilität im Kommunismus wurde nach wenigen Aufführungen verboten.

Nach acht Jahren am Deutschen Theater, vor allem eine Zeit intensiver Zusammenarbeit mit dem Regisseur Adolf Dresen, begegnete Holtz am Berliner Ensemble Einar Schleef und B.K. Tragelehn. Ihre gemeinsame Inszenierung von Strindbergs „Fräulein Julie“ wurde zum vielleicht größten Theaterskandal der DDR. Besonders die Schlussszene, in der Jutta Hoffmann in der Titelrolle gleichsam über das Publikum hinweg in die Freiheit flüchtete, konnten die Polit- und Kulturfunktionäre nicht ertragen. Jürgen Holtz ging enttäuscht an die Volksbühne zurück und begann im Westen zu arbeiten. Als sein Antrag auf Mitwirkung einer Inszenierung von Heiner Müllers „Auftrag“ am Schauspielhaus Bochum 1983 über ein Jahr lang nicht bearbeitet wurde, entschloss er sich, die DDR zu verlassen.

Er spielte in München und Frankfurt, nach der Wende auch wieder in Berlin. Und er war unverwechselbar geworden. Hatte er sich in frühen Jahren wohl auch, alte Kritiken legen es nahe, durch Wandlungsfähigkeit ausgezeichnet, wusste man jetzt, was man bekam: Den hochintelligenten Außenseiter, der alles Bösartige, Falsche, Ungerechte, Hinterhältige erkannte und geißelte und das nicht selten auf bösartige, hinterhältige Weise. Dass das nie langweilig wurde, lag daran, dass Holtz souverän und subtil mit dieser Bühnenpersönlichkeit spielte, die auch im Fernsehen funktionierte, in Krimis, in Serien – und als „Motzki“.

Der Drehbuchautor Wolfgang Menge wollte es noch einmal wissen: Nach „Ein Herz und eine Seele“, dem Gesellschaftssatire-Sensationserfolg der 70-er, besetzte er Holtz gleichsam als Nachfolger von „Ekel Alfred“, einem anderen deutsch-deutschen Schauspieler, von Heinz Schubert. Dass „Motzki“ ein großer Genuss für eine Minderheit, aber kein großer Fernseherfolg wurde, lag daran, dass Menge alt geworden war und die Zeiten sich geändert hatten, genauso wie die Physiognomie des Spießers. Und dass Holtz in der Titelrolle zu intelligent, zu raumgreifend, vor allem aber zu würdevoll blieb, als dass man sich wirklich über ihn hätte ausschütten können. Wie bei Alfred Tetzlaff sahen wir in seine Welt, aber der Zerrspiegel war nicht die Kamera, sondern der Blick der Figur, des Schauspielers auf seine Zeit. Kostbar, kaum erträglich und selten komisch.

Nach dem Jahr 2000 schienen die Wanderungen des Schauspielers Jürgen Holtz vorbei. Nach 2005 spielte er eigentlich nur noch in Berlin und fand erstaunlicherweise gerade in Robert Wilson einen Regisseur, der seine Bühnenpersönlichkeit zu einem späten Leuchten brachte, sowohl 2007 in der „Dreigroschenoper“, wo er noch einmal den Peachum gab, als auch 2009 in „Shakespeares Sonette“ (beide am BE). Hier war Holtz wieder bindungslos, bitter bis zum Zynismus und doch poetisch. Ganz allein und doch ein Mittelpunkt des Geschehens. In dieser Zeit spielte er auch den Buttler in Peter Steins monströsem Komplett-„Wallenstein“. Und wurde auch hier zum Mittelpunkt des Geschehens. Und zwar nicht als ein Rätsel des Ehrgeizes, wie es etwa der kürzlich verstorbene Otto Mellies verkörpert hat. Jürgen Holtz war viel direkter. Er spielt von Anfang an ein Riesenbaby mit Gehhilfe, das immer noch glaubt, dass Fleiß, Tapferkeit und Zuverlässigkeit zwingend nach oben führen, in der Karriere wie im Leben – ein Willy Loman mit proletarischer Rüstung beim Militär. Als er diesen Kinderglauben verliert, weil ihm jemand anders vorgezogen wird, den er geringer achtet als sich selbst, zerreißt der Schauspieler seine Figur und ein Monster tritt hervor. Von einem zum anderen Moment schien Jürgen Holtz‘ Gesicht auf der Bühne hassgelb zu werden und es behielt diese Farbe. Und alle seine Worte wurden klein und hässlich, wie laut er sie auch herausschleuderte. Holtz behielt die Kontrolle. Und ich bekam Angst wie selten im Theater.

Gestern, am Sonntag, den 21. Juni, ist Jürgen Holtz, einer der eigenwilligsten, klügsten und wirkungsmächtigsten Schauspieler der letzten 50 Jahre, gestorben.

Neues aus der Redaktion: Krisentagebuch 16 – In voller Besetzung!

Die Theaterparketts sind entstuhlt. Und wenn das Gestühl noch drin ist, dann sind in der Regel drei Viertel der Sitze gesperrt. Die Theater haben unter diesen Bedingungen sowie einem ganzen Katalog von weiteren, die dafür sorgen sollen, dass dem Infektionsschutz nach neustem epidemiologischem Standard Genüge getan ist, auf dass sowohl die Künstler wie auch ihr Publikum optimal geschützt seien – die Theater also haben unter diesen alles andere als komfortablen Bedingungen in den vergangenen Tagen landauf, landab einen mehr als respektablen Reigen von Premieren über die Bühne gebracht. Künstlerisch war das eine eindrucksvolle Selbstbehauptung. Aber ob der Schutz ausreichend war, werden wir aufgrund der tückisch langen Inkubationszeit dieses Virus frühestens Anfang kommender Woche wissen. Und da ja alles erstmal ganz gut lief, da auch alle glücklich waren mit diesem Verlauf und selig, Kunst wieder live auf der Bühne zu erleben, hätte man erstmal zufrieden abwarten können, um zu schauen, was kommt.

Nicht so Armin Laschet und seine Regierung im Bundesland Nordrhein-Westfalen, das im bundesweiten Vergleich nach den absoluten Zahlen noch immer die zweithöchsten Corona-Fälle ausweist – Tendenz gleichbleibend. Mit Datum vom vergangenen Donnerstag, der im katholischen NRW sinnigerweise als Fronleichnams-Feiertag firmierte, teilte die NRW-Landesregierung mit, dass Veranstaltungen mit mehr als 100 Teilnehmern unter bestimmten Bedingungen auch ohne Einhaltung des Mindestabstandes von 1,5 Metern wieder erlaubt sind. Dann nämlich, wenn es feste Sitzplätze für die Teilnehmer gibt und einen Sitzplan, der die Rückverfolgung der Besucher gewährleistet. In fast allen Theatern gibt es feste Sitzplätze. Und durch den Kartenkauf für einen bestimmten Sitz lässt sich die Rückverfolgung der Teilnehmer relativ leicht sicherstellen. Es kann also wieder losgehen an den NRW-Theatern. In voller Besetzung!

Natürlich würde man sich darüber gern freuen, ja, man möchte jubeln als Theaterfan und als Theatermacher. Wenn das alles nur nach den neusten virologischen Erkenntnissen abgesichert und mit den zuständigen Kulturfunktionären mit nachhaltiger Perspektive abgestimmt worden wäre. Doch nichts davon ist der Fall. Wieder einmal kam die Entscheidung aus heiterem Himmel. Und wieder einmal gilt sie von jetzt auf gleich. Die Infektion durch Aerosole, die allein durch Sprechen, ja durch den Atem verteilt werden können, spielt in den Infektionsszenarien der Virologen eine immer größere Rolle. Genau die Zuschauer-Situation, die das Land NRW wieder zulässt, ist wie gemacht für diesen Infektionsweg. Bundesweite Standards für große Veranstaltungen von über 100 Personen dagegen tragen genau dieser Gefahr Rechnung. Jetzt konkurrieren diese Empfehlungen mit den neuen Regeln im Land NRW.
 
Nur zur Erinnerung: Sein eigenes Festival, die Ruhrtriennale, hatte das Land NRW eilends abgesagt, obwohl die Intendantin Stefanie Carp angeboten hatte, ein Corona-sicheres Durchführungskonzept zu entwickeln. Die kommunalen oder privat getragenen Bühnen aber lässt das Land nun in einer äußerst riskanten Situation wieder einmal allein mit der Corona-Gefahr. Dabei ist das rechtliche Risiko, das die Veranstalter – also die Theater selbst und ihre Betriebsleiter – im nun entstanden Wirrwarr der Regeln eingehen, womöglich gar nicht das größte Problem. Aber was, wenn das Experiment schiefgeht? Was, wenn in den vollen Theatern das passiert, was bereits in bei Gottesdiensten, Karnevalsfesten, Chorproben oder Fußballspielen passiert ist? Aufgrund seines Durchschnittsalters zählt das Theaterpublikum in Deutschland zum größten Teil zur sogenannten Corona-„Risikogruppe“. Wenn diese Theaterklientel den Eindruck gewinnt, dass sie im Theater ihrer Gesundheit, ja womöglich ihres Lebens nicht mehr sicher sind, werden sie den potentiellen Infektionsherd Theater meiden. Und womöglich erst wiederkommen, wenn der Impfstoff überall verfügbar ist. Wie viele Theater würden das durchstehen?

Deshalb war es richtig, dass die Bühnen ihre Parketts entstuhlt oder ein Viertel der Sitze gesperrt haben. Auch als ein Signal der Sorgfalt an ihr Publikum: Hey, bei uns seid ihr in guten Händen, wir passen auf euch auf, wir minimieren das Risiko! Und deshalb wäre es richtig gewesen, dem gerade angelaufen reduzierten Betrieb erstmal Gelegenheit zu geben, sich epidemiologisch zu bewähren. Aber jetzt geht erneut alles drunter und drüber.

Ich liebe das Theater wirklich mit ganzer Seele. Und ich sehne mich danach, endlich wieder lebendiges, vitales Theater ohne lästige Corona-Zeremonien zu erleben. Aber ich finde, zu diesem frühen Zeitpunkt ist das Risiko zu groß. Ich würde mir wünschen, dass das Vorgehen besser koordiniert wird. Stattdessen erleben wir bei den Corona-Lockerungen ein Vogelschießen der Schnellschützen. Aber für solcherart Wettbewerb ist die Kunst, sind die Theater einfach zu kostbar. 

Neues aus der Redaktion: Beethoven schweigt (nicht mehr) - der Blog zum Jubiläum III

„Beethoven ist eine Riesen-Herausforderung, mit der ich jeden Tag versuche klarzukommen und an der ich hoffentlich auch wachse. Man muss sich Beethoven immer wieder neu erschließen, erarbeiten, erfühlen, sich ein Bild zusammensetzen aus diesen Noten, diesem Gekritzel auf Papier, um etwas zu finden, um dem gerecht zu werden, was er gesendet hat.“

Das sagte mir Dirk Kaftan, der Generalmusikdirektor von Beethovens Geburtsstadt Bonn und Chef des Beethoven Orchesters, bei einem Gespräch im Februar, das mich sehr beeindruckt hat, weil ich hier kompromisslose Ernsthaftigkeit und unverkrampften Enthusiasmus antraf – was beides zusammen in der Welt der klassischen Musik zumindest eine Erwähnung wert ist.

Ich war damals entschlossen, mich diesem klassischen Genie – Herrn Beethoven, nicht Herrn Kaftan – neu und sozusagen tiefer zu stellen. Schließlich wollte ich mit diesem Blog, der es auf etwa zehn Ausgaben bringen sollte, nicht nur DIE DEUTSCHE BÜHNE mit möglichst viel Esprit auf dem Jubiläumszug mitfahren lassen, sondern sah auch für mich persönlich die Möglichkeit, Relevanz neu zu erkunden, einfach zu fragen: Ist der Beethoven wirklich so gut? Und woran mache ich das fest, wenn ich mich nicht generell auf den „Zauber der Musik“ zurückziehen will? Und wie schaffe ich es, andere Leute mitzunehmen oder vielleicht zu begeistern; das Genie produktiv zu machen außerhalb des Elfenbeinturms, sozusagen in den kulturellen Vorgärten und Etagenwohnungen, halt da, wo ich hinkomme über die Kanäle, die mir zur Verfügung stehen?

Etwas mehr als drei Monate später will ich in erster Linie aus der Sprachlosigkeit herauskommen, vielleicht einfach mal Freude an einem Erlebnis weitergeben, das ich genossen habe, oder einen Scherz machen, ohne darüber nachdenken zu müssen, ob ich mich gerade auf durch die Virus-Katastrophe eingezäuntem und verzwergtem, vermintem Konsens-Gelände befinde.

Was nicht stattfand

Am 7. März wollte ich in Bergheim (ein paar Kilometer westlich von Köln) BeethovenWerk besuchen. Dieter Kirchenbauer, ein im Bergheim umgebenden Rhein-Erft-Kreis ansässiger Musiker, wollte hier Beethoven auf Kraftwerk, klassische auf Electro-Musiker prallen lassen, in einer Art Happening mit performativer Ausrichtung. Zwei Tage vor der Veranstaltung sagte er diese ab. Ansteckungsangst, vielleicht auch Versicherungsrecht. Das Ganze wurde auf August 2020, mittlerweile auf September 2021 geschoben, wird also ohne jeden Jubeljahr-Rückenwind stattfinden, wenn überhaupt. Ich ging damals frustriert essen, natürlich ohne zu wissen, dass auch das bald für lange Zeit lang eine reine Wunschvorstellung sein würde.

Das BeethovenWerk war ursprünglich ausersehen, das Zentrum der für Ende März geplanten dritten Folge des Beethoven-Blogs zu bilden. „Beethoven auf’m Dorf“ war der Arbeitstitel. Ein launiger Spaziergang durch deutsche Dörfer und Kleinstädte von Nieheim-Holzhausen bis Zeulenroda-Triebes, von Öhningen bis Uhlstädt-Kirchhasel sollte es werden. Kennen Sie nicht? Zumindest die kulturelle Energie, mit der sich Menschen, Vereine, Kulturämter für ihre dörfliche Umgebung Ausstellungen, Picknickfestivals, Waldspaziergänge zum Mitsingen, installative Lesungen oder Orgelkonzerte mit Beethoven-Grundierung haben einfallen lassen, hätten Sie kennengelernt. Dazu wollte ich eine kleine Geschichte erzählen von Beethoven und der Familie Breuning in Kerpen (auch in jenem Rhein-Erft-Kreis gelegen, in dem ich, manch einer wird es erraten habe, auch wohne), wo das junge Genie gerne zur Sommerfrische hinfuhr und eine junge Frau kennenlernte, die vielleicht Vorbildfigur für die Leonore im „Fidelio“ war, vielleicht auch Namensgeber für „Für Elise“, wenn das überhaupt von Beethoven ist, was ja heutzutage die eine oder der andere nicht mehr so genau weiß. Das Haus, das Beethoven gastlich aufnahm, gibt es übrigens nicht mehr in Kerpen, eigentlich gar nichts, das mit Beethoven irgendetwas zu tun hat, Jubiläum hin oder her – außer einer repräsentativen Plakette (siehe oben) neben dem lokalen Kindermoden-Laden.

Auch kein „Fidelio“

Im April wäre es dann – Folge 4 – um „Fidelio“ gegangen. Denn der sollte im Frühjahr ja nahezu überall gespielt werden, unter anderem von den Berliner Philharmonikern in Baden-Baden, inszeniert von Mateja Koleznik und dirigiert von Kirill Petrenko. Die vielen Aufführungen – oder gerade diese, die ich besuchen wollte –  hätten vielleicht helfen können, dem Geheimnis dieses einzigartigen Opernrätsels näherzukommen, das einen immer anrührt. Und immer ärgert.

Es gab also nichts mehr, zumindest nichts von Beethoven, über das sich hätte berichten lassen. Hat man sich stattdessen mit geschlossenen Augen in den heimischen Sessel geschmiegt und Beethoven gehört? Man vielleicht. Ich nicht. Ich war damit beschäftigt, stets aufs Neue auf irgendwelche Zahlen zu warten und mit dem Homeoffice zu hadern, in dem es dennoch sehr viel zu tun gab, weil wir uns als Theaterzeitschrift erstmal neu (er)finden und dafür neue Gesprächswege entdecken mussten in der digitalen Wildnis. Ich regte mich auf über das wochenlange Schweigen der Theater in der Öffentlichkeit, verkroch mich aber persönlich zuhause in die Gartenarbeit und nahm die selbst gestellte Herausforderung Beethoven gar nicht mehr wahr, hatte schlicht nicht genug Lust und Erkenntnisinteresse, um seinetwegen Überstunden zu machen.

Lebenszeichen

Und dann, noch nicht lange her, las ich ihn plötzlich wieder, den Namen Beethoven. Hörte, dass das Staatstheater Mainz es geschafft hat, dass „Beethoven – ein Geisterspiel“, ein groß dimensioniertes Projekt von Jan-Christoph Gockel und Hermann Bäumer, seine Premiere auf 3Sat feiern wird. Jawohl, im Fernsehen. Dass das unermüdliche Zimmertheater Tübingen sich mit einer um Beethovens Biographie kreisenden Performance langsam seinem Normalbetrieb annähert. Dass das Theater Krefeld Mönchengladbach einen Beethoven-Film plant und in der Corona-Not aus einer Lesung, einer Sonate und einem Tanz-Duett von zwei Menschen, die auch im realen Leben ein paar sind, einen Beethoven-Abend montiert hat. Dass Nico and the Navigators erste Fragmente ihrer Beschäftigung mit Beethoven im Konzerthaus Dortmund zeigen werden. Und Novoflot Teile seines auf Dezember verschobenem „Fidelio“-Projekts im Labor Beethoven 2020 der Akademie der Künste veröffentlicht. Und alles in den nächsten Tagen! Dass also das Jubiläum tatsächlich wieder anfängt, kulturelle Dominanz auszuüben, was nur geht, weil die Theater beginnen, sich da, wo es erlaubt ist, mit aller gebotenen Vorsicht wieder vor ihr Publikum zu wagen.

Und auch ich selbst habe wieder bewusst Beethoven gehört, nämlich die neue Aufnahme der fünften Sinfonie von Teodor Currentzis, Publikumsmagnet und Enfant terrible der Dirigenten-Szene, und seinem Orchester MusicAeterna (bei Sony). Davon hatte ich digital schon mal ein paar Noten akustisch zu mir genommen und damals gedacht: „Ach ja, der Currentzis will es wieder machen wie keiner vor ihm. Vielleicht nicht wirklich der Beethoven, den man so kennt, aber bestimmt hörenswert.“ Eine stille Stunde Zuhören, zu der ich jetzt wieder in der Lage bin, half mir, dieses Urteil zu revidieren. Eigenwillig ist er, der Currentzis, natürlich, auch hier, aber ich höre kaum Musik. Beethovens Phrasen verschwimmen mir ineinander, ihre Kanten und Steigerungen verfaulen mir im Gehörgang. Und es ist auch nichts stattdessen da. Wieder frage ich mich: Was genau haben die da eigentlich verfehlt? Die Noten sind doch eigentlich alle da...

Spaß und Verantwortung

Womit wir wieder am Anfang wären. Was ist das Große, Außergewöhnliche, das selbst Kulturflüchter sich an „Ta-ta-ta-taah“ und „Freude schöner Götterfunken“ erinnern lässt, wenn sie es einmal gehört haben, an Beethoven an und für sich?

Für Dirk Kaftan ist Beethoven ein „Gradmesser (...), „dafür, ob wir es schaffen, mit dem, was wir hier tun, ein kleines bisschen beizutragen, dass sich die Welt ändert und ob wir rein musikalisch dieser gewaltigen Vorlage gerecht werden. Das schafft man nicht, indem man Beethoven nur anbetet und in Ehrfurcht versinkt. Man muss es anfassen, spürbar machen.“ Was Currentzis natürlich auch wollte. Vermutlich.

Langsam wachsen uns wieder Mittel und Möglichkeiten zu, so etwas zu versuchen. Künstlerinnen, Künstler, Publikum. Auch Journalisten. Gemeinsam. Denn darauf kam es Beethoven, der persönlich wohl oft sehr einsam war, vielleicht doch an. Da bin ich im Moment gerade ganz sicher.

Was man nie vergessen sollte, bei all diesen Grübeleien über die Kunst, die Schönheit, das Leben, über edle Einfalt, stille Größe, Wände einreißen und die Folgen, ist der Spaß. Und das können die Kolleginnen und Kollegen im englischen Sprachraum, sogar mit Beethoven, aus meiner Sicht besser als wir, wie hier die Muppets oder Monty Python (in fremden Zungen, aber dafür in miserabler Bildqualität) zeigen.       

Das war es jetzt. Mein Krisentagebuch samt Zwangspausengedanken und ungeschriebenen Texten im Schatten Ludwig van Beethovens. Und jetzt schaue ich einfach mal optimistisch nach vorne und nehme seine Fährte wieder auf. Vielleicht erlebt dieser kleine Blog so noch die eine oder andere Fortsetzung. Wenn Sie sie lesen wollen, selbstverständlich, was Sie mir unter falentin@die-deutsche-buehne.de sehr gerne mitteilen dürfen.

Vor allem aber: Lassen Sie es sich nicht verdrießen.

Ihr
Andreas Falentin

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Neues aus der Redaktion: Fischers Streamingwoche: 11.Teil

Zehn Wochen lang höchst hektisches Online-Stellen von Videobotschaften aller Art, all die aus der Hüfte oder mit dem Handy geschossenen Filmen, endlose Aufführungsaufzeichnungen und Konzerte – aber parallel bestand auch die Möglichkeit, dramaturgisch mal etwas nachhaltiger über die Möglichkeiten von analogem Theater auf der digitalen Bühne nachzudenken und eigene, neue, vielleicht zukunftsträchtige Formate zu entwickeln. Danach wollen wir in den kommenden Wochen verstärkt Ausschau halten.

Theater Lübeck

In einer Zusammenarbeit von Backsteinhaus Produktion, Theater Lübeck und Theater Rampe sollten sich Künstler auf die Suche nach dem „Haus der Antikörper“ begeben, ein Doppelpass-Projekt der Bundeskulturstiftung. Es war als Live-Performance auf fünf Simultanbühnen für ein Ensemble aus Tänzern, Musikern und Schauspielern sowie ein zirkulierendes Publikum geplant – in den alten Fabrikhallen der Lübecker Gollan Werft und dem Zahnradbahndepot in Stuttgart. Durch den Einbruch des Corona-Virus wurde daraus nichts. Physisch distanziert probten die Künstler in ihren Wohnungen in Stuttgart, Antwerpen, Richmond, Marseille, Berlin, Weinstadt, München und Hamburg sowie im Theater Rampe. Mit Mobiltelefonen, teils mit Unterstützung ihrer jeweiligen häuslichen Gemeinschaften, drehten sie viele Szenen selbst. Und deuteten als Bewohner des titelgebenden Hauses die Pandemie in etwas Positives um, mutieren dank ihr in resistente Antikörper – gegen krankmachende Normen und Gewohnheiten. Bringen Viren weder Krankheit noch Tod, sondern Heilung, so könne das Modell einer eigensinnigen, widerständigen und stolzen Gemeinschaft erwachsen, so die Künstler. Alles scheint offensichtlich politisch und artifiziell. Premiere wird gefeiert am 6. Juni, 20 bis 0 Uhr, mit einem ein Double Feature aus dem Tanz-/Konzertfilm „Cocooning/kəˈkuːnɪŋ/“ und dem Theaterfilm „Pandemie – eine Wiedergängerin“.  Auf www.haus-der-antikoerper.de können Videos auch zu folgenden Termine geschaut werden: 7. Juni (18 bis 23 Uhr), 9., 10., 12., 16., 17., 19., 23., 24, 25., 26., 27. Juni (jeweils 20 bis 0 Uhr), 28. Juni (18 bis 23 Uhr), 30. Juni (20 bis 0 Uhr).
 

Labor Beethoven 2020

Beethoven gehört mit seinem Geburtsjahr 1770, das er mit Hölderlin und Hegel teilt, zu derjenigen Generation, die mitten in den Aufbruch des idealistischen Geistes in die moralische Selbstbestimmung taumelte, seine Musik beeindruckt entsprechend durch einen Formenreichtum, der sich der Spannung zwischen unorthodoxen Strukturen in trügerisch traditionellem Gewand erfreut. Fürs Jubiläumsjahr war „Labor Beethoven 2020“ für Mitte März als zeitgenössische Lesart der Musik Beethovens geplant. Ihm gingen eine vierjährigen Zusammenarbeit von jungen  Komponisten aus Basel, Tel Aviv und Thessaloniki voraus. Durch den Shutdown der Coronakrise konnten die Konzerte nicht vor Publikum aufgeführt werden, wurden aber mitgeschnitten und stehen ab 6. Juni online. Damit präsentiert die Akademie der Künste ein hinter verschlossenen Türen fertig produziertes Programm mit über zehn Uraufführungen. Auf digitalen Pfaden gibt es die Experimentierwelt des Beethovenzeitgenossen Anton Reicha zu entdecken, auch Marcus Schmicklers Sicht auf Mauricio Kagels „Ludwig van“, Beethovens Pastorale-Sinfonie als Klangcollage von Werner Cee und den von Novoflot dekonstruierten „Fidelio“. Wissenschaftlich-künstlerisches Material aus der Beethovenzeit und der Gegenwart ist im „Labor 1802-2020“ zusammengeführt mit zahlreichen Autographen, Audiodateien, Texten, Fotos und Videos. Das virtuelle Festival ist hier – die virtuelle Ausstellung hier zu entdecken.
 

Staatsoper Hamburg

Neuproduktionen und Repertoirestücke fallen derzeit dem Virus zum Opfer, deshalb greift die Staatsoper in Hamburg nun ganz tief ins Archiv: Auf vielfachen Publikumswunsch wird eine Rarität aus der Liebermann-Ära als Video-on-Demand angeboten: Richard Strauss‘ exemplarisches Rachedrama „Elektra“ ist in einer Aufnahme aus dem Jahr 1968 bis 15. Juni 2020 abrufbar. Zu sehen ist eine Studioproduktion, die Joachim Hess inszenierte und nur am 17. November 1968 im NDR ausgestrahlt wurde. Sie ist nicht auf DVD erhältlich. Unter der Musikalischen Leitung von Leopold Ludwig sind unter anderem Gladys Kuchta in der Titelpartie und Regina Resnik als Klytämnestra zu erleben.
 

Theater Osnabrück

Regisseurin Jana Vetten überschreitet gern die Grenzen zwischen Sprech-, Tanz- und Objekttheater. In Osnabrück wollte sie Wolfram Lotz’ „Einige Nachrichten an das All“ herausbringen, ein philosophisch komödiantisches Gedankenexperiment, das von der  Frankfurter Rundschau als „das größenwahnsinnigste, klügste, unfasslichste und unverschämteste Stück der Gegenwartsdramatik“ bezeichnet wurde, in Osnabrück war es geplant „als verzweifeltes Kaleidoskop des Seins, in dem die Figuren fortwährend um die ersten und letzten Fragen ringen – die Unzumutbarkeit der eigenen Sterblichkeit wie die, was es eigentlich wert ist, erzählt zu werden.“ Am 8. Mai sollte Premiere sein, die fiel Corona-gemäß aus, aber stattdessen gibt es das Stück ab heute im Netz – eine Web-Serie in Form von ein, zwei Dutzend Videofragmenten. Zu streamen unter „Theater Osna at home“.

Costa Compagnie Berlin / Staatstheater Nürnberg / Oldenburgisches Staatstheater

„Fight (for) Independence” fordert Aufmerksamkeit – und lohnt der Aufmerksamkeit. Es handelt sich um ein zweijähriges Dokumentartheater-Tanz-Performance-Projekt, das sich so persönlich wie geschichtlich mit Fragen nach dem Wert und Sinn von Autonomie in Zeiten von Globalisierung auseinandersetzt. Für das Doppelpassprojekt der Bundeskulturstiftung kooperieren die Berliner Costa Compagnie mit dem Staatstheater Nürnberg und dem Oldenburgischen Staatstheater. Eigentlich sollte im Rahmen des Oldenburger „flausen + Banden!“-Festivals Uraufführung gefeiert werden. Da dies coronakrisenbedingt nicht möglich ist, beschlossen die Künstler, einen Dokumentarfilm zu produzieren. Er bezieht sich auf die filmisch-journalistische Performance „Independence for All“, die 2019 in Nürnberg den vom Bürgerkrieg gezeichneten Südsudan porträtierte. Die Künstler setzen sich auch mit den Brexit-Unruhen im Vereinigten Königreich auseinander und schauen auf Bayern, wo die Loslösung vom Nationalstaat Deutschland ja immer mal wieder ernsthaft diskutiert wird. Zudem führt die afrodeutsche Schauspielerin Helen Wendt zum historischen Unabhängigkeitskampf Mosambiks, während sie um ihre individuelle Unabhängigkeit und Identität innerhalb der systemisch rassistischen Strukturen in ihrem eigenen Leben kämpft. Der Film soll eine vielstimmige Erzählung des Diskurses sein, ob Befreiung und Selbstbestimmung zu Re-Nationalisierung und Ausgrenzung führe. „Fight (for) Independence“ (Künstlerische Leitung, Recherche, Regie, Text: Felix Meyer-Christian) ist vom 18. bis 21. Juni, jeweils ab 20 Uhr, auf www.fightforindependence.cc zu streamen. Ein Video über die choreographische Installation „Independence in Space“, die mit der katalanischen Tänzerin Montserrat Gardó Castillo über die Freiheitsbewegung ihrer Heimat entwickelt wurde, sowie ein Virtual-Reality-Archiv und ein Intro-Video der an der Recherche beteiligten Künstler bieten ebenso weiteren Kontext wie Stream-begleitende Nachgespräche.

Liebe Theatermenschen, wer neue Online-Aktivitäten welcher Art auch immer ankündigen oder darauf hinweisen möchte, was schon (und bis wann noch) im Internet zu sehen ist – ich freue mich, wenn Sie einfach eine Mail schreiben mit Daten, Infos und Links an Jens Fischer unter coronatheater@aol.com.

Neues aus der Redaktion: Krisentagebuch 15 - Endlich wieder lebendige Kunst!

Nein, diesmal keine Krisengedanken in diesem Krisentagebuch. Stattdessen erzähle ich Ihnen von einem Erlebnis, dessen Schönheit mir allerdings ohne die Coronakrise kaum zu Bewusstsein gekommen wäre. Ich war zu einem Interview in Mainz, es ging – natürlich! – um Corona und um die Frage, ob man mit dem Problem des nötigen Sicherheitsabstands im Publikum nicht kreativer umgehen kann, als einfach zwei Drittel der Sitze im Auditorium zu blockieren. Meine Gesprächspartner: Markus Müller, Intendant des Staatstheaters Mainz; und Sebastian Hannak, Bühnenbildner.

Markus Müller (links) und Sebastian Hannak, hinten der Fotograf Andreas J. Etter. Alle Fotos im Artikel: Detlef Brandenburg

Wer letzteren kennt, ahnt, worauf das Gespräch zielte. In seinen Raumbühnen für die Oper Halle, für die er 2017 den Deutschen Theaterpreis DER FAUST bekam, hat Hannak die Grenze zwischen Bühne und Auditorium radikal aufgebrochen. Er hat Bühnenlandschaften geschaffen, bei denen Sänger, Orchester und Besucher einen einzigen Raum miteinander teilen. Die Zuschauer sitzen verteilt inmitten des Geschehens, die Sänger agieren inmitten der Zuschauer, das Orchester ist Teil der Bühnenwelt. Wäre das nicht auch eine Lösung für Theaterspielen in Zeiten von Corona? Jedenfalls bieten diese Raumbühnen extrem viel Platz, den man extrem frei gestalten kann.

Interview-Stillleben mit FAUST-Preisskulptur und Recorder, hinten die „Allgemeine Zeitung“ mit der Aufmacher-Schlagzeile „Theater öffnet an Pfingsten“

Näheres zu dieser Frage können Sie im Interview in unserem Juli-Heft lesen. Aber auf dem Weg zum Intendanz-Büro hat Markus Müller uns durchs Haus geführt. Dort entstanden bereits wieder die ersten Produktionen für den Restart nach dem Shutdown. Und ich fand es SO WUNDERBAR, durch ein Theater zu laufen, in denen Künstler bei der Arbeit sind!

Bühnenbild von Julia Kurzweg zu „Beethoven – Ein Geisterspiel“

Im Großen Haus probte der Regisseur Jan-Christoph Gockel für „Beethoven – Ein Geisterspiel“. Ursprünglich sollte das mal ein aufwendiges spartenübergreifendes Projekt zu Beethovens 250. Geburtstag werden, Anfang Mai sollte die Uraufführung sein. Dann kam Corona – doch das Theater reagierte kreativ, Gockel sowie Generalmusikdirektor Hermann Bäumer gestalteten die Proben um, Markus Müller konnte ZDF/3sat als Kooperationspartner gewinnen.

 
Regisseur Jan-Christoph Gockel mit Beethoven-Marionette vor Beethoven-Musicbox

Gemeinsam entwickelten Theater und Sender das Projekt so weiter, dass die Premiere als Theatervorstellung im Fernsehen gezeigt werden kann. Und das Leitmotiv der zunehmenden Isolation, das sich in Beethovens Leben findet, bot sich als fruchtbare Parallele zur Gesellschaft im Corona-Zustand an. Uraufführung ist am 14. Juni um 11.40 Uhr auf 3sat, als Vorab-Online-Premiere stellen 3sat und ZDFkultur das Stück bereits am Samstag, 13. Juni um 19.30 Uhr online auf https://3sat.de und https://zdfkultur.de.

 
Keine Gestühl mehr da: Im Parkett des Kleinen Hauses am Staatstheater Mainz werden demnächst – in Corona-gerechtem Abstand! – Sofas stehen, die die Besucher gespendet haben

Nebenan im Kleinen Haus probten K.D. Schmidt und sein Team für „Tage des Verrats“, ein Stück nach einem Politthriller von Beau Willimon, der auch die thematisch ähnliche Netflix-Serie „House of Cards“ erdacht hat. Das Stück stammt aus dem Jahr 2004 und basiert auf der Kampagne zur Kandidatenwahl für das Präsidentenamt des Gouverneurs Howard Dean aus demselben Jahr. 2011 wurde der Stoff von und mit George Clooney unter dem Titel „The Ides of March“ verfilmt. K.D. Schmidt hat mit dem Ensemble einen künstlerischen Weg gefunden, „Tage des Verrats“ Corona-kompatibel zu inszenieren, am 7. Juni feiert diese Deutschsprachige Erstaufführung in Mainz Premiere.

 
Bühnenbild von Thomas Drescher zu „Tage des Verrats“

Nun kann man natürlich sagen: Was ist das denn für ein Krisentagebuch – am Theater wird geprobt, na und?! Ist doch kein Grund, gleich sentimental zu werden… Vielleicht nicht – vielleicht aber doch! Ich hatte fast vergessen, wie animierend es ist, diese Atmosphäre zu erleben, in der Theater entsteht. Und wie sehr sie mir gefehlt hat. Deshalb sollten wir es dem Virus nicht erlauben, uns diese Welt der Kunst zu nehmen. Ich erspare mir jetzt den Begriff „systemrelevant“. Aber wir wären ohne diese Welt um vieles ärmer. Es lohnt, für sie zu kämpfen! Daran hat mich mein Streifzug durchs Theater Mainz erinnert.