Surreale Bilderwelten

Zwischenruf: Bachmann bleibt

Stefan Bachmann verlängert vermutlich seinen Vertrag als Intendant des Schauspiel Köln um zwei Jahre. Damit bleibt der Schweizer, der 2013 die Leitung des Schauspiels in Köln übernahm, bis 2023. Somit wird er vermutlich nicht das dauerrenovierte Schauspielhaus am Ofenbachplatz eröffnen können; dennoch hilft er dadurch der Stadt aus einer reichlich verfahrenen Situation. Denn nach der schlecht kommunizierten Bestallung Carl Philip von Maldeghems zu seinem Nachfolger im Januar diesen Jahres, die einen Proteststurm auslöste, woraufhin von Maldeghem seinen Verzicht erklärte, war die Stadt in Not, eine Nachfolge ab 2021 zu finden. Bachmann, der Ende 2017 noch einen Verzicht auf die ihm zustehende Vertragsverlängerung erklärt hatte, deutete daraufhin an, dass er auch länger in Köln bleiben könnte, wenn er denn gefragt würde.

Seine heute vom Theater und der Stadt angekündigte Vertragsverlängerung, die noch vom Rat der Stadt beschlossen werden muss, ist für alle Beteiligten eine gute Lösung – in einer insgesamt sehr unerfreulichen Situation. So kann Bachmann seine Arbeit, die seit dem Antritt von Chefdramaturgin Beate Heine seit 2017 neuen Schwung bekam und nun im Gesamtkonzept schlüssiger wirkt, in der Dauerübergangsspielstätte im Depot fortführen. Die geplante Findungskommission hat, laut Stadt, „nach wie vor die Aufgabe, eine Nachfolge für Stefan Bachmann zu sondieren, bekommt aber nun mehr Zeit.“ Bachmann selbst ist sich der Übergangssituation bewusst: „Ich freue mich sehr auf diese Verlängerung. Sie gibt mir die Möglichkeit, mein Interim abzuschließen.“ In der vergänglichen Theaterkunst sind Übergangsspielzeiten ohnehin immer wieder kleine Blütezeiten, jenseits verquerer Ambition oder ängstlicher Selbstbeschränkung.

Interessant ist, dass der Präsident des Deutschen Bühnenvereins, Ulrich Khuon, eine so zentrale Rolle in der Pressemitteilung zur Vertragsverlängerung spielt. Sie beginnt mit den Worten: „Nach eingehender Beratung mit dem Präsidenten des Deutschen Bühnenvereins...“ Nach dem Statement der Oberbürgermeisterin heißt es: „Der Präsident des Deutschen Bühnenvereins und Intendant des Deutschen Theaters in Berlin befürwortet diese Vorgehensweise.“ Da schimmert eine gewisse Skepsis der Stadt und der Oberbürgermeisterin Henriette Reker gegenüber der eigenen Kompetenz durch; von der Kulturdezernentin ist nicht einmal die Rede.

Neues aus der Redaktion: Die junge bühne macht Abitur

Das Abitur war in den letzten Tagen immer wieder ein Thema in den Medien. Waren die Mathe-Aufgaben nun zu schwer oder nicht? Für uns bei der DEUTSCHEN BÜHNE und bei der jungen bühne, unserem Jugendmagazin, war das Abitur dieses Jahr auf jeden Fall etwas Besonderes. Denn der Text von Bianca Praeatorius über Theater und Internet aus der jungen bühne von 2014 war der zu interpretierende Text im Deutsch-Abi.

Das lag hoffentlich nicht nur daran, dass wir dem Heft damals den Titel „Schulheft“ gegeben haben.

Ich habe mich gleich an den Artikel erinnert, als ich von dieser besonderen „Ehrung“ erfuhr. Er ist so geschrieben, wie man sich das als Redakteur immer wünscht: Ein wichtiges Thema und persönliches Engagement sind da sprachlich glänzend verbunden. Schade nur, dass uns die Autorin ein wenig abhanden gekommen ist. Sie engagiert sich momentan intensiv für eine kleine, gesamteuropäische Partei und kandidiert bei der Wahl zum Europäischen Parlament. Eine bessere Entschuldigung gibt es kaum, Bianca...

Übrigens. Auch die nächste junge bühne, an der wir gerade arbeiten, könnte für Schulen interessant werden - und nicht nur für die. Mit dem großartigen Zeichner – eigentlich ja Bühnenbildner – Patrick Bannwart entsteht eine Art Comic zum „Faust“. Das Heft erscheint im September.

Zwischenruf: UNICEF macht Theater

Die Menschen von der blauen Linie laufen aggressiv auf ihre Gegenüber zu, werfen (symbolisch) mit Steinen. Die von der gelben Linie weichen zunächst zurück, gehen dann aber zum Gegenangriff über. Das war eine Schlüsselszene in dem UNICEF-Projekt „Theater der 10000“. In 100 deutschen Städten sollten sich eben so viele Menschen an öffentlichen Orten einfinden und, von ihren Handys „gesteuert“, ein Schauspiel aufführen. Letztlich machten 80 Städte mit. In Leipzig traf man sich in der Eingangshalle des Hauptbahnhofes, um als Zeitreisende ins Jahr 2019 zurückzukehren und die zerstörte Welt wieder zu heilen. So wollte UNICEF ein Zeichen gegen alle Kriege, besonders den in Syrien, setzen.

Punkt 12.19 Uhr hoben alle Mitspieler erst die rechte Hand, dann den Blick nach oben, stellten sich an der gelben Linie auf. Ein stummes Stück sollte es werden, doch die sonoren Stimmen des Hörspiels, dem die Akteure folgten, waren über einen Lautsprecher zu hören. Mal hieß es „3, 2, 1 – gebückt auf die andere Seite gehen“, dann ging es in ziemlich pathetischen Texten vor allem um Kinder in Krisengebieten.

Auch der laute Knall einer Explosion war zu hören, doch die Mitspieler schritten langsam umher, als ginge sie das nichts an, „furchtlos“ war die Anweisung. Bayern München-Anhänger, gerade in Leipzig angekommen,  staunten nicht schlecht, die sie bewachenden Polizisten guckten interessiert, eine junge Frau mit RB Leipzig-Schal machte konzentriert bei der Theateraktion mit. Den Nachmittag verbrachten die Fußballfans dann im Stadion.

Auffallend war, dass, zumindest in Leipzig, vor allem junge und ältere Menschen mitmachten, die „Mittelschicht“ fehlte fast ganz. Die Akteure, mit Kopfhörern oder Handy am Ohr, gingen sehr aufrecht, nahmen die Hände hoch, bildeten mit ihnen einen Kreis vor den Augen wie ein Fernrohr. Und während laut Telefonierende achtlos vorbeigingen, lächelte man sich im UNICEF-Karree an, ging aufeinander zu, schwärmte über die ganze Fläche aus, hielt wieder still.

Und während noch einmal die Botschaft „Ihr müsst die Welt verändern, das ist eure Mission“ zu hören war, breiteten die Menschen ihre Arme aus und nahmen sie wieder runter. Längere Zeit hielten alle die Augen geschlossen, ehe sich, nach 30 Minuten, die Mitspieler laut applaudierten.  

Zwischenruf: Julia Wissert soll Schauspielintendantin in Dortmund werden

Eine Überraschung. Die 34-jährige Julia Wissert soll ab 2020 als Nachfolgerin von Kay Voges das Schauspiel Dortmund leiten. Wissert hat Regie am Salzburger Mozarteum sowie Drama und Media Arts in London studiert. Sie war Regieassistentin in Freiburg, Basel und Oldenburg, inszeniert seit 2009 erfolgreich an deutschen Häusern, zuletzt am Bochumer Schauspielhaus und wurde für ihre Arbeit unter anderem mit dem Kurt-Hübner-Regiepreis und dem Preis der Stadt Salzburg ausgezeichnet. Sowohl in ihren akademischen wie ihren künstlerischen Arbeiten bilden die Auseinandersetzung mit Postkolonialismus, Rassismus und Feminismus einen Schwerpunkt. Das allgemeine Ringen der Theater um Political Correctness und/oder den Umgang damit könnte also mit Julia Wissert eine neue Protagonistin finden. Und sie wäre die jüngste Intendantin an einem deutschen Stadt- oder Staatstheater.

Auf der anderen Seite hinterlässt Kay Voges einen gewaltigen Fußabdruck. Er hat sein eigentlich beschauliches Haus durch ästhetisch und spielplanplanerisch innovatives, kaum ein Risiko scheuendes Theater souverän in der ersten Liga der deutschen Bühnen etabliert. Und damit absichtsvoll die Digitalisierung des Theaters vorangetrieben bis hin zur Gründung der Akademie für Theater und Digitalität, der er auch weiterhin vorstehen wird.

Julia Wissert steht eher für ein Performance-nahes Theater mit partizipativen Elementen. Nicht nur mit der von ihr initiierten Anti-Rassismus-Klausel, die etwa am Theater Oberhausen mittelbar zu skandalnahen Auseinandersetzungen zwischen Leitung und Verwaltung führte, hat sie gezeigt, dass sie den Willen hat, dem deutschen Stadttheater in gleich mehrfacher Beziehung ihren Stempel aufzudrücken. Es wird allerdings hochspannend werden, zu verfolgen, wie Julia Wissert ohne jede Leitungserfahrung mit dem bekanntermaßen recht speziellen Stadttheaterapparat zurechtkommen wird. Und ob sie genug Alphatier oder Teamplayer ist, um nach und neben Kay Voges in der Theaterstadt Dortmund zu bestehen.

Zwischenruf: Zum Tod der Schauspielerin Ellen Schwiers

Wie traurig: Nach der großartigen Hannelore Elsner ist heute morgen auch die Schauspielerin Ellen Schwiers nach schwerer Krankheit gestorben. Die meisten werden sie wohl nur durch ihre Filme kennen. Aber zu ihrer künstlerischen Vita zählt auch eine beachtliche Theaterkarriere. Geboren 1930 in Stettin, hatte sie ihr erstes Engagment am Theater Koblenz, wo sie auch als Souffleuse tätig war. 1961/62 war sie die Buhlschaft bei den Salzburger Festspielen inmitten eines sehr wienerischen Großschauspieler-Ensembles Walther Reyer, Paula Wessely, Alma Seidler oder Wolfgang Gasser.

Sie leitete die Burgfestspiele Jagsthausen und gründete 1982 mit ihrem Mann und ihrer Tochter Katerina Jacob das Tourneetheater „Das Ensemble“, das sie auch nach dem Tod ihres Mannes 1992 weiterführte. Sie inszenierte unter anderem „Götz von Berlichingen“, „Mutter Courage und ihre Kinder“, „Was ihr wollt“, „Medea“ oder „Der Widerspenstigen Zähmung“ und tourte mit ihrer Bühne kreuz und quer durch das Land. 2015 nahm sie nach siebzig Jahren Abschied von der Bühne. Zuletzt hatte sie an der Seite ihres Bruders Holger Schwiers und ihrer Tochter Katerina in dem Stück „Altweiberfrühling“ in der Komödie im Bayerischen Hof in München auf der Bühne gestanden.

Das Foto oben zeigt Hellen Schwiers in der Produktion „Altweiberfrühling“, in der sie 2011 mit ihrem Tourneetheater “Das Ensemble” unterwegs war.

Zwischenruf: Theaterpreis des Bundes 2019: Auszeichnung für 11 Bühnen

Die Jury hat entschieden: Elf Theater werden mit dem Theaterpreis des Bundes ausgezeichnet und können sich neben der bundesweiten Aufmerksamkeit für diese Auszeichnung auch über das Preisegeld von 75.000 € freuen, das für künstlerische Vorhaben zur Verfügung steht. Die Sieger sind:

Theater Thikwa in Berlin für die laut Jury „in der Theaterszene herausragende Beschwörung von gesellschaftlicher Diversität bei gleichzeitiger Lust an künstlerischer Radikalität“.

Piccolo Theater in Cottbus, das laut Jury „für ein demokratisches, offenes und buntes Cottbus“ und für die Freiheit der Kunst stehe.

Theater Erlangen, das „mit 14 Regisseurinnen bei 25 Produktionen einen wichtigen Beitrag zur Geschlechtergerechtigkeit im deutschen Theaterbetrieb“ leiste und im Regie-Nachwuchswettbewerb neue Talente entdeckt und fördere.

Theaterwerkstatt Pilkentafel in Flensburg, die sich „als eines der wenigen freien Theater in Schleswig-Holstein aktiv für den Ausbau der freien Szene engagiert“ und „mit ihrer Strahlkraft als produktiver Denk- und Verhandlungsort gesellschaftspolitischer Fragen weit über die Stadt hinausweist.“

Boat People Project in Göttingen, weil es was realisiert, „was in vielen Debatten des Theaterbetriebs immer wieder eingefordert, aber selten gewagt wird: Ein Kollektiv aus Menschen verschiedener Hintergründe leitet das Haus. Es konzipiert eigene Produktionen und Kooperationen mit Ensembles und Institutionen im In- wie Ausland.“

Oper Halle, in deren experimentellen Musiktheater die Jury eine „höchst bemerkenswerte Innovation“ sieht, „die nicht von den Reibungen ausgespielt werden kann, die sie auch erzeugt hat, sowohl in der Belegschaft der Oper als auch in der Stadtgesellschaft.“

HELIOS Theater in Hamm, an dem die Jury besonders den programmatischen Fokus auf ein Theater für die Allerkleinsten (2+) hervorhebt, „bei dem das HELIOS Vorreiter ist, und den es in Kooperation mit anderen EU-Ländern wissenschaftlich-forschend begleitet.“

Puppentheater Magdeburg, das laut Jury „mit dem Figurentheaterfestival Blickwechsel als internationalem Branchentreff, der großen Figurenspielsammlung in der angegliederten villa p., einem breiten theaterpädagogischen Angebot sowie der Vernetzung in die Stadtgesellschaft hinein … zentraler Anker des deutschen Figurentheaters“ ist.

Landestheater Schwaben in Memmingen, dem die Jury „eine umfassende Erneuerung und Wiederbelebung“ bescheinigt: „mit einem leidenschaftlichen und politischen Spielplan, einer großangelegten Öffnung in die Stadt und über sie hinaus und mit einem starken Fokus auf das Junge Theater.“

Ringlokschuppen Ruhr in Mülheim, in dem die Jury „eines der wichtigsten freien Produktionshäuser der Republik“ erkennt. „In den vergangenen 15 Jahren hat er sich von einem soziokulturell geprägten Ort, an dem es immer auch Theater gab, zu einem fixen Knotenpunkt im Netzwerk der Performing Arts entwickelt.“

Theater Rampe in Stuttgart, laut Jury ein „Stadttheater neuen Typs im besten Sinne“, dem es gelinge, „vielfältige Verbindungslinien herzustellen, zu staatlichen Theatern ebenso wie vor allem zur lokalen und überregionalen Szene der freien darstellenden Künste, für die es vitaler Impulsgeber ist.“

Der Preis, der zum dritten Mal vergeben wird, unterscheidet sich von den meisten anderen Preisen durch sein sehr spezielles und inzwischen auch klar definiertes Profil: Er richtet sich ausdrücklich nicht an die Größten und Schönsten und Reichsten, sondern an kleine und mittlere Theater jenseits der Metropolen, die mit ihren Theaterproduktionen, Gastspielen und partizipativen Projekten in die Stadtgesellschaft hineinwirken. Organisatorisch betreut wird die Preisvergabe vom Internationalen Theaterinstitut – Zentrum Deutschland (ITI), Mitglieder der Jury waren diesmal: Jörg Albrecht (Leitung Burg Hülshoff – Center for Literature), Sophie Diesselhorst (Redaktion nachtkritik.de), Dorte Lena Eilers (Redaktion Theater der Zeit), Bettina Jahnke (Intendanz Hans Otto Theater Potsdam), Ulrike Kolter (Redaktion DIE DEUTSCHE BÜHNE), Matthias Schulze-Kraft (Künstlerische Leitung Lichthof Theater Hamburg). Die ausführlichen Begründungen der Jury, aus denen oben zitiert wurde, stehen hier.

Die Preisverleihung findet am 27. Mai 2019 im Theater Gera (Gewinner des Theaterpreises 2017) statt. Sie wird umrahmt von der Theatertagung Dialog mit der Stadtgesellschaft. Organisiert in Kooperation mit dem Deutschen Bühnenverein und dem Bundesverband Freie Darstellende Künste, bringt die Tagung Stadt- und Staatstheater, Gastspiel-Theater der INTHEGA (Interessengemeinschaft der Städte mit Theatergastspielen) sowie freie Spielstätten und Theaterschaffende zusammen. Darunter auch Preisträger aller drei Theaterpreis-Jahrgänge 2015, 2017 und 2019.

Nachruf: Zum Tod der Schauspielerin Hannelore Elsner

Am Ostersonntag starb die Schauspielerin Hannelore Elsner nach kurzer, schwerer Krankheit. Sie war eine von Deutschlands bekanntesten Schauspielerinnen, vor allem durch Mitwirkung in über 200 Film- und Fernsehproduktionen, von Auftritten im Tatort (großartig: „Peggy hat Angst“, 1983) über viele Fernseh- und Kinofilme bis hin zur Serienhauptrolle in „Die Kommissarin“. Hannelore Elsner begann ihre Karriere mit 17 Jahren zunächst vor allem in Unterhaltungsproduktionen, aber auch in Filmen von Will Tremper und Rainer Erler. Sie drehte mit Edgar Reitz und Isztvan Szabo, und beeindruckte in einer späten Phase ihrer Karriere in Filmen von Dani Levy („Alles auf Zucker“, 2004) und Doris Dörrie („Kirschblüten-Hanami“, 2008). Definitiv in Erinnerung bleiben wird ihre Darstellung der Schriftstellerin Gisela Elsner in dem Film „Die Unberührbare“ aus dem Jahr 2000. Wie sie hier, unter der Regie von Oskar Roehler, die Verletzlichkeit und Widerständigkeit ihrer Figur zu einem einzigartigen Filmcharakter verschmilzt, ist sicher eine der herausragenden Darstellerleistungen im deutschen Film der letzten 50 Jahre.

Weniger bekannt ist, dass Hannelore Elsner zu Beginn ihrer Karriere auch Theater gespielt hat. Sie war auf Boulevardbühnen neben Unterhaltungsheroen wie Willy Millowitsch und Georg Thomalla zu sehen, spielte aber auch an den Münchner Kammerspielen, wo sie 1966 in Dieter Giesings Inszenierung von Slawomir Mrozeks „Tango“ neben Helmut Griem und Klaus Löwitsch vermutlich die erste nackte Frau auf einer deutschen Theaterbühne war, nach eigener Erinnerung „drei oder vier Sekunden lang“. Hannelore Elsner wurde 76 Jahre alt.

Neues aus der Redaktion: Erfolgreich mit Verdi: Der Regisseur Andreas Homoki

Ausnahmsweise mal nicht Wolfgang Amadeus Mozart, der ewige Darling der Opernbesucher, sondern Giuseppe Verdi hat in der Saison 2017/18 die meisten Zuschauer erreicht. Und unter den Verdi-Regisseuren war Andreas Homoki derjenige, der mit seinen Inszenierungen die meisten Besucher angezogen hat. Ein guter Grund für mich, nach Zürich zu reisen und den erfolgreichen Regisseur nach seinem Verhältnis zu diesem Komponisten zu befragen.

Und Zürich begrüßte mich – sorry, das ist jetzt ein Klischee, aber was wahr ist, muss wahr bleiben – Zürich begrüßte mich also zünftig mit Alphornklängen.

Aber ich musste, nachdem die Deutsche Bummelbahn mich mal wieder mit ihrem allfälligen Verspätungs-Kuddelmuddel auf Trab gebracht hatte, schleunigst zum Opernhaus, wo Homoki seit 2012 Intendant ist. Er hat das noble Haus an der „Goldküste“ des Zürichsees für jüngere Regisseure und durch neue Formate auch für breitere Publikumsschichten geöffnet. Und er inszeniert nach wie vor selbst.

Hier steht Andreas Homoki sozusagen neben dem Turm seines Œuvres: Jeder Holzstab bedeutet eine Inszenierung, obenauf liegt „L forza del destino“, die er im vergangenen Jahr in Zürich herausgebracht hat. Bald wird eine weitere Verdi-Etage den Turm ergänzen: Am 23. Juni kommt in Zürich Homokis „Nabucco“-Inszenierung heraus. Am Pult steht Fabio Luisi, der Generalmusikdirektor des Hauses, für Bühne und Kostüme sorgt Homokis alter künstlerischer Weggefährte Wolfgang Gussmann. Allein die Sängerbesetzung macht Lust auf die Produktion: Michael Volle singt die Titelpartie, seine Töchter Abigaille und Fenena werden von Catherine Naglestad und Veronica Simeoni verkörpert, den Ismaele gibt Benjamin Bernheim, Georg Zeppenfeld ist der sinistre Hohepriester Zaccaria.

Andreas Homoki hat sich gefreut über den Erfolg seiner Verdi-Inszenierungen. Im Video deutet er an, was ihn an diesem Komponisten so gut gefällt, dass er immer wieder zu ihm zurückkehrt. Genauer hat er mir das dann in einem ausführlichen Interview erläutert. Wir veröffentlichen es im unserem Juli-Heft, im Rahmen eines Themen-Schwerpunktes zu den Zuschauer- und Aufführungszahlen der Werkstatistik „Wer spielte was?“ 2017/18 unseres Herausgebers, des Deutschen Bühnenvereins, die wir ein bisschen genauer durchleuchten und erläutern wollen.

Neues aus der Redaktion: Werkstattbericht über Samuel Penderbaynes Oper „Die Schneekönigin“

Was es mit dem Musiktheaterprojekt „Die Schneekönigin“ für alle ab 8 Jahre auf sich hat, davon hatte die Regisseurin Brigitte Dethier ja schon vor ein paar Tagen im Video auf unserem Redaktionsblog erzählt. Die Produktion, die am 22. November in der Tischlerei der Deutschen Oper Berlin Premiere haben wird, basiert natürlich auf dem Kunstmärchen von Hans Christian Andersen. Zu erleben ist folglich die Geschichte von Kay, der sich auf seltsame Weise verändert, seine Freunde vergisst und der verlockenden Stimme der eisschönen Schneekönigin folgt; und von Gerda, die sich aufmacht, ihren Freund Kay zu suchen, und die über das schaurig-schöne Reich der Blumenkönigin, den langweiligen goldenen Hof der Prinzessin und die gefährliche Höhle der Räuberkönigin schließlich in das eiskalte Reich der Schneekönigin gelangt, um ihren Kay zu befreien.

Das Besondere an diesem Musiktheater ist, dass es Szene, Text und Musik in eine sehr enge Beziehung bringen möchte. Der Komponist Samuel Penderbayne entwickelt die Musik in engem Austausch mit den Darstellern: Erste Skizzen werden jetzt ausgetestet, erweitert und fließen in die Komposition ein, die sich auch auf den szenischen Proben im Herbst 2019 noch weiterentwickeln wird.

Alle Beteiligten, auch die die Instrumentalisten, agieren zugleich als Performer. Und die hochmusikalische Schauspielerin Hanna Plaß (oben auf dem Foto links mit Brigitte Dethier) entwickelt für die drei Königinnen kunstvolle stimmakrobatische Klangcharaktere.

Es wird musizierende Blumen geben, eine krächzende Klarinette, ein Tuba-Rentier; und die schaurig-schöne Klangwelt der Schneekönigin wird Hanna Plaß mit dem Synthesizer heraufbeschwören. Und weil aus diesem offenen Musiktheater-Konzept eine ganz spezielle Theatersprache entstehen soll, wollen wir die Entwicklung dieser ungewöhnlichen „Schneekönigin“ mit einem dreiteiligen Werkstattbericht begleiten, der ab September dieses Jahres in der Printausgabe der DEUTSCHEN BÜHNE erscheinen soll.

Am Ende des erwähnten Videos hatten mich Brigitte Dethier und Hanna Plaß ja mit energischem Charme aus dem Probenraum komplimentiert. Die beiden sind halt jederzeit für einen Jux gut, wie man hier sieht.

Und ich durfte natürlich dann doch noch mal wiederkommen. Was ich erlebte, war wirklich eine allererste Arbeitsprobe, bei der, entsprechend dem offenen, experimentellen Ansatz, noch sehr viel experimentiert wurde. Das Video oben zeigt eine Sprechprobe mit Regisseurin Brigitte Dethier (r.) und Hanna Plaß als Schneekönigin.

In diesem Video kann man hören, was dabei herauskam.

Soviel für diesmal von der „Schneekönigin“. Wir werden in den kommenden Monaten immer mal wieder kleine Videos oder Fotos aus den Proben hier im Redaktionsblog zeigen – bis dann im September-Heft der DEUTSCHEN BÜHNE Teil 1 unseres Werkstattberichtes erscheinen wird. Bis dahin wird diese ganz besondere „Schneekönigin“ dann sicher auch schon eine klarer erkennbare Gestalt angenommen haben.

„Die Schneekönigin“.
Musiktheater nach Hans Christian Andersen für einer Schauspielerin, drei Sänger und fünf Musiker
Musik von Samuel Penderbayne
Text von Christian Schönfelder
Uraufführung am 22. November 2019 in der Tischlerei der Deutschen Oper Berlin
Für alle ab 8 Jahren
Inszenierung: Brigitte Dethier
Bühne, Kostüme: Carolin Mittler
Dramaturgie :Lars Gebhardt
Mit: Sophia Körber, Theresa Pilsl, Marlene Gaßner, Alexandra Ionis, Martin Gerke, Jonas Böhm, Hanna Plaß. Louise Leverd, Jone Bolibar Núñez, Jack Adler-McKean, Henriette Zahn, Daniel Eichholz

Der Werkstattbericht über „Die Schneekönigin“ startet im September-Heft 2019 der DEUTSCHEN BÜHNE und erscheint in drei Folgen bis zur Premiere im November.